Viaje a la luz

14 Dec

Leticia Bustos Soria

 

BrickArt ya se ha puesto su gorrito, ha elegido la mejor bufanda y ha decidido colocarse los guantes de cuero que compró hace unos meses para salir a la calle y disfrutar de la navidad. En esta época del año, la capital se convierte en un gran escaparate con tropecientos de adornos navideños; árboles decorados, belenes, unos cuantos Santa Claus escalando las fachadas de algunos edificios… No obstante, el auténtico arte que reúne la capital en estas fechas tan señaladas son las luces navideñas, esas que cada año deseamos que se enciendan y proclamen la llegada de la navidad.

El alumbrado navideño aporta el brillo, el color y la ilusión que invitan a pasear por nuestras calles a miles de madrileños y visitantes, reforzando con su atractivo la actividad en los espacios urbanos más comerciales de Madrid. Este arte tan llamativo hace posible disfrutar con ilusión esta época navideña.

La decoración lumínica que tanto nos gusta utiliza los diseños de años anteriores para vestir la capital. Las creaciones de algunos de los principales modistos, arquitectos y diseñadores gráficos de nuestro país volverán a lucir en estas fiestas; Ágatha Ruiz de la Prada, Juanjo Oliva, Ángel Schlesser, Hannibal Laguna, Purificación García y Sergio Sebastián, además de los arquitectos Teresa Sapey y Ben Busche y el diseñador Roberto Turégano. Sin duda, arte por arte.

Para todos los que quieran disfrutar de la iluminación que desprenden una hilera de bombillas bien colocadas pueden hacerlo los lunes, martes y miércoles de 18:00 a 20:00, también los jueves y domingos de 18:00 a 23:00 y los viernes y sábados de 18:00 a 24:00 horas. Estos horarios se mantienen hasta el 6 de enero, así que todavía están a tiempo de contemplar el arte navideño más fantástico de la capital.

Pero si todavía quieren contemplar este arte más de cerca, pueden disfrutar de esta maravilla en un autobús que recorre las calles madrileñas mostrando las diversas luces de la capital. Navibus 2012 –así se hace llamar- es un autobús turístico de dos pisos que recorre las calles del centro de Madrid y del Barrio de Salamanca para poder disfrutar de esta forma tan peculiar de la iluminación navideña. Este recorrido panorámico también está disponible hasta el 6 de enero a excepción de los días 24 y 31 de diciembre, y 5 de enero. Los horarios de funcionamiento del autobús de la Navidad son desde las 18:00 hasta las 23:00 horas, teniendo la última salida a las 21:20 horas salvo los días que comprenden desde el 10 al 26 de diciembre y el 2 de enero, cuyo horario es de 18:00 a 22:00 horas.

Hay, pues, distintas formas de contemplar este arte callejero; bien dando largos paseos por la capital o emprendiendo un viaje al corazón de la navidad.

#22N, Día de la Música (fotogalería)

14 Dec

Elena Cortés Alonso

El 22 de Noviembre, Día Internacional de la Música, artistas y docentes salieron a las calles. Con un gran concierto en la Plaza de Ópera quisieron reivindicar algo que el gobierno quiere arrebatarles: el Bachillerato de Artes Escénicas.

Escuela de Arte Urbano “La Makina”

14 Dec

Andrea Carratalá Pérez

 

Un proyecto que aparece con el objetivo de mostrar al mundo una forma distinta de crear. El régimen docente que siguen los profesores en el sistema educativo actual suele dejar de lado las tendencias y proyectos más frescos que surgen en las calles. Tendemos a pensar que sólo lo que se encasilla en el programa es lo que vale la pena enseñar, cuando la realidad es que la mayoría de artistas de la historia florecieron al margen de los regímenes educativos establecidos en cada época.

 

Nació como un plan educativo pensado para proveer de contenidos lúdicos, educativos, creativos y culturales a las programaciones de actividades extraescolares de todo tipo de centros, ya fueran colegios o universidades, españolas, extranjeras o de alumnos que visitasen España con la intención de aprender español, amparados por sus universidades de origen.

La Makina es la escuela de arte urbano de la que todos quisimos formar parte cuando aprendíamos a dibujar, pintar, o quizás escultura, modelado, cerámica o cualquier otra disciplina artística. Y ¿por qué es única esta escuela? Porque en ella podemos encontrar los cursos que otras instituciones de arte no proponen,  pues algunas no consideran importante el arte urbano y sus especialidades callejeras. Muchas tampoco creen destacable el graffiti, la pintura mural, el diseño de tablas de skate, de cascos, zapatillas, de joyería extrema, maquillaje para efectos especiales, escultura hiperrealista… Todo esto nos ofrece La Makina, una oferta excéntrica pero demandada por una gran cantidad de jóvenes. Además, también podemos acceder a cursos y másteres class divertidos como robótica con Lego, modelismo, fotografía y edición de vídeo. Asimismo, desarrollan cursos técnicos, especializados para gente interesada en hacer un complejo moldeado utilizando los últimos y más punteros materiales.

Entre su programación de actividades y cursos se encuentran propuestas tan diferentes como catas gastronómicas, talleres de fotografía, graffiti, cursos para usar nuevos dispositivos, street art, pompas de jabón, magia, caricaturas, flamenco, yoyo, tipografía con plomo, fabricación y vuelo de cometas, construcción y manejo de un caleidoscopio, rutas en bici eléctrica, paseos en globo, clases de poker y mucho más.

Los cursos y actividades de La Makina comenzaron realizándose en distintas ubicaciones, aunque la mayor parte de ellos se podían realizar en las instalaciones de los centros educativos, deportivos y culturales que contratasen sus servicios, además de realizar talleres y actividades al aire libre.

Sin embargo, desde hace unos meses se tiene pensada la idea de impartir cursos en el edificio del que disponen. Se trata de un conjunto de instalaciones espectaculares, en una construcción de casi 2.000 metros cuadrados, con grandes y luminosas salas multifuncionales, talleres, zonas comunes, patios y jardines, todo ello en un entorno agradable y tranquilo.

Aunque la ubicación del emplazamiento no se encuentra disponible públicamente (pensamos que por motivos de seguridad), sabemos gracias a varios de los organizadores que el lugar es arquitectónicamente transparente, con doce espacios diáfanos y luminosos, que permiten desarrollar cursos multidisciplinares produciendo entre los alumnos de las diferentes disciplinas una mezcla, un mestizaje de conocimientos e información difícil de encontrar en otras escuelas. En definitiva, un lugar diferente, arriesgado y comprometido con unos tiempos difíciles. Para algunos es empezar algo nuevo y para otros empezar de nuevo.

Entre los últimos proyectos que han llevado a cabo podemos destacar:

Cursos del mundo del Street Art y el Graffiti. El encargado de dirigirlo fue Naone. Un artista callejero nacido en Madrid, España. Skater con más de 14 años de experiencia y perteneciente al grupo de B-boys y Graffiti writers Supersouthnics Crew. A pesar de tener una notable sensibilidad para el dibujo y la ilustración, comienza su formación artística en el mundo de la fotografía y el vídeo en los barrios madrileños de Móstoles y Alcorcón. Años más tarde, Naone encamina su carrera hacia el diseño gráfico y la ilustración acudiendo a varias academias en Madrid y destacando el Master de Arte Contemporáneo y Conceptual en el City College de San Francisco.

Podemos acceder a algunos de los trabajos de Naone vía online en:

www.naone.es

www.vimeo.com/naone

www.artflakes.com/en/l/naone

www.turbosquid.com/Search/Artists/Naone

El curso de Aerografia para cascos de moto, llevado a cabo por JOTADESIGNS, empresa dedicada al diseño y pintura de cascos deportivos, siendo sin lugar a dudas líder en su sector. El principal objetico fue aprender trucos y aportar la experiencia de la empresa a los alumnos.

El curso de Apps Machine que profundizó en la puesta en marcha de un ipad nuevo o un iphone, así como la instalación de multitud de aplicaciones, programas de dibujo para ipad, de retoque fotográfico… Los profesores se encargaron de solucionar problemas se los dispositivos y lo que es mejor, enseñar a los alumnos a solucionarlos.

Curso de “JOYERÍA EXTREMA” en que se impartían las claves para convertir un diseño tradicional en una loca y extravagante pieza, moderna y arriesgada. Fue llevado a cabo por Ignacio Junquera, diseñador de joyería extrema, director y diseñador de la marca GANDOLFI, ilustrador y diseñador industrial.

El proyecto desarrollado por Electric Bricks, grupo experto en robótica con productos LEGO. Se unieron a La Makina para organizar un curso de un día en el cual propusieron la construcción de una cámara de fotos (PINHOLE CAMERA) con la utilización de piezas de edificación LEGO. La cámara tuvo que funcionar con película de 35 mm y su revelado se realizó durante la sesión, para ver que los asistentes pudieran ver en la clase los resultados que se pueden obtener con este divertido instrumento.

Por último, Jorge Poza, uno de los maquilladores más conocidos para efectos especiales en la industria del cine a nivel internacional, fichó con La Makina para hacer una representación de sus dotes artísticas y explicar a la asistencia en qué consistía su trabajo.

Luzinterruptus: “Locas intervenciones ilegales” llenas de luz

14 Dec

Entrevista a Luzinterruptus

Abigail Orús

 

El Urban Light Art es una variante dentro del arte urbano desconocida por muchos. Especialmente aquellos ajenos a este mundo del “arte callejero”. LuzInterruptus es un grupo español especializado en el tratamiento creativo de la luz en el ambiente urbano. Su sede se encuentra en Madrid, pero eso no les impide viajar por todo el mundo para realizar sus instalaciones lumínicas. Hoy descubrimos un poco más acerca de LuzInterruptus.

Dentro del mundo del arte urbano sois muy conocidos en todo el mundo, pero, por ejemplo, en Madrid, cuando se pregunta a la gente de a pie qué es Luzinterruptus no saben qué responder. ¿Nos podrían decir quiénes formáis Luzinterruptus  y qué significa Luzinterruptus?

Luzinterruptus somos un grupo anónimo que llevamos 4 años trabajando con la luz en el espacio público. Aunque seamos dos personas las que más o menos llevamos la dirección, en Madrid siempre trabajamos con amigos dispuestos a unirse a nuestras locas intervenciones ilegales. Y cuando vamos a otros países y llevamos a cabo intervenciones de más extensión contamos con voluntarios y vecinos que finalmente  acaban convirtiéndose en amigos.
En cuanto a lo que dices de que en Madrid no nos conoces, tienes razón, pero esto es algo habitual en el mundo del arte urbano. Todos utilizamos Internet como plataforma de difusión y al final da igual estés dónde estés, acabas siendo conocido por los que de verdad están interesados en este tipo de trabajos. En Madrid, lo que realmente nos importa, es que la gente que va por la calle nos vea y nos pregunte. Entonces le explicamos y esperamos que ya no olviden nuestra existencia.
Además en España no nos gusta mucho que hablen de nosotros en los medios de comunicación ya que consideramos que la mayoría de ellos, lo que están mostrando del arte urbano asociado a prácticas de moda, distorsiona la realidad y pervierte el trabajo de los artistas.
¿De dónde surgió la idea de crear arte a través del uso de la luz?

Fue de manera espontánea. Empezamos subvirtiendo farolas a las que pusimos caperuzas a modo de lámparas de puticlub. Después de eso nos pareció algo natural seguir con la luz, ya que consideramos que además de proporcionarnos un gran impacto visual, nos permite hacer intervenciones en algunos casos mínimas y en otros más extensivas, sin deteriorar el mobiliario urbano y sin privar de escenario para trabajar a otros artistas.
¿Qué les diferencia de otras formas de arte urbano, quizá más extendidas o conocidas?

La diferencia con otras formas de expresión urbana, quizás sea lo efímero de nuestras actuaciones y que nunca queremos que dejen huella indeleble en al ciudad, por lo demás somos igual de ilegales y queremos expresar los mismos sentimientos.
Sus instalaciones lumínicas parecen tener siempre un mensaje de carácter social detrás. ¿Qué objetivo persiguen con vuestras construcciones?

Intentamos poner un punto de atención luminoso a problemas que detectamos en la ciudad y que parecen pasar desapercibidos a las autoridades y a veces a los propios ciudadanos.
¿Cuánto tardan en llevar a cabo sus ideas y qué gasto económico supone?

Las que hacemos subversivamente en la ciudad nos llevan mucho tiempo de pensar y preparar el material y una noche en llevarlas a cabo ya que tenemos que hacerlas rápido y sin que nos vean. En festivales, solemos emplear más tiempo, que varía de menos de una semana a un mes en la última instalación de Melbourne, un récord para nosotros.
El gasto es escaso en nuestras intervenciones callejeras. No podría ser de otra manera ya que nuestras economías no dan para muchos alardes. Solemos emplear material de deshecho o muy barato. En cuanto a las luces, intentamos aprovechar las que nos han sobrado de festivales y eventos a los que nos invitan. Nosotros intentamos reciclar todo, je.
En octubre realizaron en Madrid una de sus instalaciones bajo el título “Promesas convertidas en papel mojado”. ¿Cómo surgió la idea y qué mensaje querían transmitir?

Bueno sólo hay que tirar de Internet para darse cuenta que es lo que el partido en el poder nos prometió y que está haciendo. Sólo queríamos demostrar nuestro malestar de manera algo poética.
En cuanta a la formalización de la idea, se nos ocurrió un día que paseando por Madrid. Vimos una escena que nos conmovió: una señora tiraba un cubo de agua de limpiar en el portal y un niño, que casualmente pasaba de la mano de su padre con un barquito de papel decorado en el colegio, lo tiró al reguero de agua y detergente. Durante unos segundos el barquito se deslizó hasta llegar a la alcantarilla. Fue un precioso momento, e inmediatamente supimos que lo teníamos que incorporar a nuestro trabajo.
¿Tuvieron algún problema a la hora de realizar dicha instalación en la capital?

Pues como siempre, tuvimos que salvar algunos contratiempos, como conseguir gran cantidad de agua en la calle a esas horas. Para ello recurrimos a un hotel cercano que nos la proporcionó sin ponernos ningún problema.
El otro fue, que los servicios de limpieza baldeaban justo a esa hora la calle y nosotros la necesitábamos seca. Para conseguir que no regaran, directamente hablamos con ellos y como suele pasar, amablemente esperaron a que termináramos para hacerlo.
¿Cuál va a ser su próximo trabajo y dónde?

Esperamos con “ilusión” las navidades para dejar algún mensajito subversivo a nuestros amigos y seguidores.

Redes sociales: YouTube, descubridor de talentos

14 Dec

Leticia Bustos Soria

 

A mes de diciembre, mucha gente ya conoce la plataforma BrickArt Madrid. Ha pinchado sobre este enlace y ha descubierto una forma alternativa de conocer la capital madrileña: a través de su arte urbano.  Con reportajes y entrevistas semanales hemos ido presentando a aquellos artistas que día a día recorren las calles de Madrid exhibiendo su arte. No obstante, gracias a redes sociales como YouTube hemos conseguido que ese talento trastoque la fibra sensible y desarrolle un sentimiento cercano con el artista.

En los primeros días de creación de nuestro medio, nosotros mismos nos nutrimos de esta valiosa plataforma para darnos a conocer. Elaboramos un vídeo promocional del medio y lo lanzamos a las redes sociales. La búsqueda de un arte peculiar, distinto al que suele concebirse en la mente de las personas, era nuestro propósito a conseguir. De la gente de la calle dependía sí BrickArt seguiría adelante pues nuestra manera de enfocar el medio era bastante arriesgada: grabaríamos al mayor número de artistas que se prestaran para ello. Afortunadamente, ningún artista se ha retraído hasta la fecha ante el objetivo de nuestra cámara. Ahora son muchos más vídeos los que BrickArt Madrid ofrece para aquellas personas que tengan el placer de conocer a los artistas urbanos que tenemos el gusto de entrevistar.

Si bien una imagen vale más que mil palabras, YouTube nos permite convertir esa imagen en realidad. Acercarnos a verdaderos talentos que en ocasiones desatendemos, ponerles cara y conocer sus habilidades más certeras. Porque aunque también nos nutrimos de otras redes sociales como Facebook o Twitter para darnos a conocer y al mismo tiempo comunicarnos con otras plataformas, medios y artistas, YouTube nos concede la oportunidad de ver, escuchar y sentir el talento que emana de todos ellos.

BrickArt Madrid apuesta por la interacción entre los usuarios que le siguen. Sin ir más lejos, posee una sección de Video Brick que facilita la búsqueda de los vídeos que realiza a cada uno de los artistas. Además, BrickArt también ofrece la oportunidad de elegir como ganador a uno de entre tantos vídeos que envía la gente mostrando su arte. De esta manera, la utilidad que el medio dá la plataforma Youtube es recíproca; no sólo da a conocer a los artistas, sino que ellos, con sus vídeos, también pueden darse a conocer en este medio.

Mucha es la gente que cuelga un vídeo en el canal de YouTube. Casi resulta extraño quién no lo haga. Por ello, BrickArt Madrid también rastrea aquellos vídeos destinados a la cobertura del arte urbano que no sólo se restringen a la capital madrileña. En nuestro proceso de investigación han sido muchos los vídeos que hemos encontrado de artistas callejeros deleitándonos con su grafismo y, en menor medida, con sus voces e instrumentos. Nuestra dinámica es sencilla; les encontramos, tuiteamos su arte adjuntando el vídeo encontrado en YouTube  y esperamos a ver si alguien tiene los mismos conocimientos y quiere darse a conocer en la ciudad madrileña. Si el resultado es positivo, nos lanzamos en su búsqueda. Es una manera de contactar con aquella gente que BrickArt no alcanza.

 

En sevilla tenemos un ejemplo exquisito de este arte. Por las calles sevillanas este artista se pasea dibujando con sus dedos un auténtico paisaje. No es lo único que hemos encontrado. BrickArt ha rastreado a un graffitero que se dedica especialmente a las aerografías de animales. Su vídeo en YouTube cuenta con nada menos que 143.823 visitas. Con un menor número de reproducciones, en concreto, 66.474 hemos encontrado a un auténtico artista musical que con un violín electrónico y una base musical consiguió hacerse con unos cuantos billetes como propina. Y si las visitas de las aerografías pueden parecer exageradas, es porque todavía no han visto el siguiente vídeo. Son 2.029.177 visitas las que lleva recibidas este músico callejero de New Orleans que con una guitarra, su voz, una armónica y un violonchelo crea un ambiente musical de lo más curioso.

Curiosa es la estrategia que han seguido dos músicos estadounidenses con instrumentos como un contrabajo y un violín. Su música varía en función del lugar donde la gente deposite su propina. Y es que en tarros de cristal aparece un cartel con el nombre de un artista diferente (Michael Jackson, Lady Gaga, Bach, etc) y con distintos ritmos de música (más rápido, a capella, etc). De manera que como si se tratase de una antigua máquina de discos de un bar, los transeúntes escogen su artista favorito para poder escucharlo en vivo. No es de extrañar que el video cuente con 1.569.968 visitas.

En países extranjeros como Croacia también hemos descubierto a un auténtico innovadorcallejero que con una guitarra, una armónica y unos cascabeles en sus pies recorre estas calles con la música que emana del conjunto de estos instrumentos. Su vídeo cuenta con 3.829.024 visitas. No obstante, esta cifra queda superada en un millón más de reproducciones que ha recibido este artista callejero que aparece tocando el hang, uno de los instrumentos más exquisitos en cuanto a la manera de crear una melodía consistente. En este caso, BrickArt Madrid ha encontrado a un artista callejero madrileño (Jorge Cuevas, conocido como Hazomoon) que se dedica intrínsecamente a este instrumento. El 4 de Diciembre nos concedió una entrevista y en breves será publicada.

Estos son sólo algunos ejemplos de los vídeos que BrickArt va recogiendo de la plataforma YouTube. Esperamos poder encontrar a artistas como ellos por las calles de Madrid para captar su arte y darlo a conocer entre nuestros seguidores.

CRÓNICA: FERIARTE, el arte más exclusivo

14 Dec

Leticia Bustos Soria

 

Está claro que colocar una pieza de mobiliario antiguo en casa le da un toque muy personal a la vivienda. Porque es difícil que ese mismo mueble, accesorio o pequeño detalle decorativo se repita en la casa de los vecinos. Ese toque exclusivo es siempre un acierto.

Lo mejor, con diferencia, es haberlo heredado de la casa de los padres o abuelos. Pero no siempre es posible. En estos casos, se acude a anticuarios en donde la opinión de un experto es más que aconsejable. Otra opción es acudir a FeriArte, una ocasión inmejorable para conocer la diversidad de opciones alrededor del mercado del arte y de las antigüedades. La de este otoño tuvo lugar entre el 17 y el 25 de Noviembre. BrickArt Madrid estuvo allí.

Una de las ofertas clave de FeriArte fue el mobiliario en toda su riqueza y diversidad histórica. Para los visitantes fue un privilegio que un mismo espacio reuniera desde mueble clásico español, hasta piezas que han conseguido perdurar en el tiempo y convertirse en iconos de diseño. De esta manera, Loval Antigüedades asistió a la Feria con un mobiliario procedente de Castilla como el bargueño “frailero” en nogal, pino y hierro del siglo XVII así como con una mesa de refectorio en madera de nogal del siglo XVIII.

Verdaderas obras de coleccionista también se encontraron en el stand Sala Nonell. Piezas de gran relevancia como el bureau-cabinet del siglo XVIII, precedente del Palacio de Zayas, Ningüelas (Granada), tuvo una gran aceptación por parte de los visitantes. En esta misma galería, la atracción también la suscitó un importante mueble inglés Jorge I de raíz de nogal de doble cúpula que incorporaba un complejo interior de numerosos cajones, secretos y figuras mitológicas en hornacinas sobre columnas corintias.

 

Jorge I – Sala Nonell / Fuente: hola.com

Por su parte, Miguel Arruda Antigüedades expuso una pareja de consolas policromadas aragonesas del siglo XVIII en su pintura original. No obstante, para sorpresa de los visitantes, Kunsthandel Klaus Friebe, anticuario alemán, participó por primera vez en FeriArte mostrando, entre otros, un conjunto de bellos muebles holandeses compuestos por una cómoda y cuatro armarios de esquina a juego de roble enchapado en caoba decorado, a su vez, con paneles lacados japoneses, bronce dorado montado y con tapas de mármol Turquin Bleu.

Muebles holandeses – Kunstthandel Klaus Friebe / Fuente: Infurma (International Furniture & Lighting Magazine)

Las mujeres de edad avanzada no dudaron en acercarse a Antigüedades “El Clásico”, donde pudieron disfrutar de un joyero tocador, época Carlos X (1824-1830) en madera de caoba con marquetería de boj. De hecho, la Galería Tiempos Modernos también la visitaron gustosamente. En ella, otro tocador diseñado por Gio Ponti (Italia, 1962) en madera de frutar, bronce y espejo aclamó toda su atención.

El mobiliario y las obras de autor del siglo XX, junto con las piezas de Art Nouveau y Art Decó, constituyeron otra de las propuestas de alto valor decorativo de la Feria. Destacó especialmente un sofá escaño, de 1900, de talleres de Esteva y Cía realizado con diferentes tipos de madera y con técnicas como el labrado, la policromía y el dorado. Una pieza representativa del mejor mobiliario del modernismo catalán que suscitó tanta atención en los visitantes que apenas se fijaron en el nombre del coleccionista, Victor I Fills Art Gallery, que exponía dicha obra de arte.

Sofá escaño (1900) – Victor I Fills Art Gallery / Fuente: Infurma (International Furniture & Lighting Magazine)

 

Las alfombras y tapices de ayer, también decoran espacios de hoy. Son imprescindibles para crear un ambiente de distinción. Su valor histórico añadido les convierte en excelentes objetos de colección. Y sino que se lo digan a los visitantes de esta trigésimo sexta edición de FeriArte que no dudaron en aproximarse al stand de Bermondsey. Especializado en alfombras antiguas (siglo XVII al siglo XIX) de todas las procedencias, apostó por piezas étnicas como una importante colección de Kilim del Cáucaso de finales del siglo XIX y algunos referentes como los Samarkand de la Ruta de la Seda, y los Gabbeh persas antiguos.

Bronces, cerámicas, objetos de platería, lujosas vajillas, cristalerías, esmaltes, relojes, porcelanas de gran valor histórico y artístico también tuvieron una fuerte e interesante presencia en el campo de las artes decorativas. Entre una amplia variedad de piezas de todas las técnicas y materiales, destacó Pia Rubio con una serie de doce platos de porcelana policromada y relieve en oro, Compañía de Indias (Familia Verde) de la Dinastía Oing (período Kangxi, 1962-1722), y una sopera con tapa en porcelana decorada con esmaltes policromados (Familia Rosa), también de la Dinastía Oing (período Oianglong, 1736-1795). De todos modos, lo que verdaderamente llamó la atención en este stand fue una jarra francesa de cristal soplado y bronce dorado con forma de loro (siglo XIX).

Doce platos de porcelana policromada y relieve en oro – Pio Rubio / Fuente: Infurma (International Furniture & Lighting Magazine)

Lógicamente, fue la pintura y las artes plásticas la que despertó mayor admiración entre los visitantes. Ya en la edición anterior fue la más demanda de cuantas obras de arte se expusieron en la Feria. Ello hace que sean los propios expositores los que ofrecen más aquella mercancía que abre más posibilidades de venta. Aunque la pintura abstracta fue la que más atrajo las miradas y el interés de los visitantes, el stand Mayoral Galería D´Art expuso buena pintura antigua del siglo XIX que destacó por el gran parecido de algunos de sus cuadros con retratos sacados de películas tradicionales. Es el caso del óleo sobre lienzo de J. Sunyer (1874-1956) que tanto recordó al retrato que Jack hizo de Rouse en la famosa película, El Titanic.

J. Sunyer (1874-1956) – Mayoral Galería D´Art / Fuente: Leticia Bustos Soria

Las maravillosas esculturas contemporáneas también vieron su reflejo en películas actuales. Una escultura de dos metros de alto con unas ondulaciones en el pelo –al más puro estilo Brave- despertó la curiosidad entre los visitantes.

 

Similitud con la pequeña Brave / Fuente: Leticia Bustos Soria

FeriArte reunió también una gran variedad de elementos que a día de hoy pueden incorporarse a los proyectos decorativos modernos y clásicos. Así destacaron en el centro del Pabellón 3 elementos arquitectónicos como columnas, chimeneas, fuentes, puertas, rejas, ventanas, artesonados y balaustradas de la mano de Antigüedades Fernández-Verín y Antigüedades Los Portones. Del mismo modo, accesorios de decoración como candelabros, lámparas, espejos y marcos españoles e italianos del siglo XVII y XVIII, propuestos por Miguel Arruda Antigüedades tuvieron especial repercusión en la Feria.

La arqueología también se hizo notar en FeriArte con interesantes propuestas como las de J. Bagot Arqueología- Ancient Art, que en esta ocasión apostó por una gran selección de piezas arqueológicas y obras de arte antiguo procedentes de las culturas clásicas más importantes como la Etrusca, Griega y Romana, la civilización Egipcia, las Culturas del Próximo Oriente y Precolombinas, el arte Gandhara y de la antigua China. Destacó, sobre todo, un anillo en forma de delfín del Imperio Romano de Oriente (siglo III d.C) en oro y cristal de roca perteneciente a una colección de joyería arqueológica compuesta por más de dos mil anillos y entalles que abarcaban las distintas culturas y épocas de la antigüedad.

El resto de piezas de alta joyería se ubicaron en el stand Vendome Joyería, especialista en el siglo XIX, que mostró uno de sus colgantes más valiosos (Francia, 1930) realizado en platino engastado con un importante diamante de talla antigua de cuatro quilates, y una pulsera en forma de serpiente (Francia, siglo XIX) en oro amarillo de dieciocho quilates engastados con diamantes de talla antigua y rubíes. Del mismo modo, la empresa Joyería Chico sorprendió a los visitantes con un broche en forma de águila realizado en oro amarillo con esmalte (Circa, 1950).

Los visitantes de FeriArte no abandonaron el recinto sin antes pasar por el último stand de Galería Ángel Martín. La máscara Lunguru, de Tanzania (Siglo XIX) y una cabeza de la cultura Nok, de Nigeria (Siglo I) fueron las propuestas decorativas de mayor atractivo y originalidad en este fabuloso stand.

Como en ediciones anteriores, la calidad imperó en cada uno de los stands de la Feria. La autenticidad y el estado de conservación de cada pieza (unas 18.000 en total) estuvo certificada por un prestigioso equipo de expertos en las distintas disciplinas del arte, rigor que confirió exclusividad a la Feria y aseguró a los visitantes la distinción de sus adquisiciones. Una constatación de que el verdadero arte es aquel que no pasa de moda.

 

 

Los huertos urbanos: una moda en auge

14 Dec

Abigail Orús

 

Los huertos urbanos son actualidad. La mayor sensibilidad en cuestiones relacionadas con las sostenibilidad medioambiental ha llevado a un crecimiento del interés por la agricultura en entornos urbanos.
Los huertos urbanos son una iniciativa salida desde los propios ciudadanos. Los madrileños aprovechan espacios abandonados, deteriorados, tapiados durante lustros, terrenos que bordean carreteras y autopistas Con la crisis los huertos urbanos se han convertido, en una forma de ahorro para muchas familias, que ven como el acceso a determinados productos mejora con iniciativas como esta.
Los huertos urbanos de Madrid están distribuidos a lo largo de la ciudad. Algunos se localizan como El Retiro o el Jardín Botánico. Colectivos profesionales como taxistas o jubilados promovieron también en su momento estos pequeños huertos. Prueba de ellos son los cultivos del aeropuerto de Barajas o el situado junto a las vías del tren en Valdebernardo. Pero la mayoría es fruto del esfuerzo colectivo de los vecinos de distintos barrios de la capital: Lavapiés, Adelfas, Hortaleza…
Los huertos urbanos crean mosaicos vegetales de diferentes colores y tamaños en la capital. El contraste con los edificios de su alrededor llaman la atención, constituyendo una parte importante del “decorado” de Madrid. Pero la pregunta es, ¿son estos huertos arte urbano?
Muchos responden afirmativamente a la pregunta. “La agricultura es un arte en sí mismo”, dicen sus amantes. Y es cierto que lo es. Pero lo que convierte a los huertos urbanos en parte del arte callejero son sus usos “secundarios”. Así, en Madrid estos espacios van más allá de proveer a los vecinos con diferentes frutas y hortalizas. Los huertos urbanos se convierten en un campo de acción de numerosos artistas. Y es que cada vez son más los que aprovechan estos espacios públicos para realizar intervenciones de todo tipo.
Algunos utilizan parte de los productos cultivados en estos huertos, especialmente aquellos que por alguna circunstancia ya no pueden consumirse, para realizar dibujos en el suelo. ¡Composiciones al más puro estilo del manitas del famoso programa infantil “Art Attack”! Eso sí, siempre con el permiso de los vecinos.

Pero son los graffiteros los que más utilizan estos espacios para mostrar su talento. En las paredes que franquean los huertos los artistas encuentran un lugar idóneo para plasmar sus ideas. A veces los graffitis tienen algún tipo de relación con los propios huertos, ayudando a crear un ambiente de cierta homogeneidad. En otras ocasiones el artista deja correr su imaginación dando lugar a graffitis de lo más variado.

Y es que a falta de zonas exclusivas para el graffiti los huertos urbanos se han convertido en una salida. Hasta tal punto que los distintos safaris urbanos que se organizan en la capital mencionan ya los huertos urbanos y sus diferentes usos en el terreno del arte urbano. Usos sin duda desconocidos por la gran mayoría pero que podrían convertirse en el futuro de un arte que las autoridades parecen estar dispuestas a destruir.